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Escuela de Nueva York

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los Escuela de nueva york es el nombre dado a una coalición suelta de poetas, pintores y músicos estadounidenses que se formaron en la década de 1940 y se hicieron muy activos en la década de 1950 en la ciudad de Nueva York. Los críticos sugieren que su trabajo fue una reacción al movimiento confesionista en la poesía contemporánea. Intentaron ampliar la conciencia de los estadounidenses a través de la poesía, el arte y la música.

Poetas

Los poetas más frecuentemente asociados con este grupo son John Ashbery, Ted Berrigan, Kenneth Koch, Frank O'Hara, Bernadette Mayer, Alice Notley, Barbara Guest, Kenward Elmslie, Ron Padgett y James Schuyler. También hay similitudes entre la Escuela de Nueva York y los primeros poetas de Beat Generation activos en las décadas de 1940 y 1950 en la ciudad de Nueva York. Algunos poetas asociados con este grupo distinto son Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Neal Cassady, William S. Burroughs, Gregory Corso, Herbert Huncke, Diane di Prima, Joan Vollmer Adams Burroughs, Carolyn Cassady, Joan Kerouac y Elise Cowen. Este fue un momento en Estados Unidos cuando la economía ofrecía a muchas familias los lujos de un estilo de vida suburbano, tendiendo a una conformidad que estos poetas sentían que era falsa y deplorable. Este fue también un momento en el que Estados Unidos estaba involucrado en una Guerra Fría con la Unión Soviética, lo que llevó a un momento de desconfianza entre muchos estadounidenses debido a las amenazas asumidas contra la seguridad nacional. Los poetas retrataron sus pensamientos y emociones a través de poemas revolucionarios sobre estos tiempos e intentaron producir una nueva forma de pensar y vivir. Su tema poético era observacional, a veces ligero aunque a menudo violento, y en muchos sentidos describía por qué su generación estaba tan "golpeada" o fatigada. Esta fue su forma de retratar la desesperanza que estos poetas vieron en las masas de Estados Unidos, al conformarse con la sociedad. Ejemplos de estos sentimientos se encuentran en poemas como "Kaddish" y "Howl" de Allen Ginsberg, y "Naked Lunch" y "Junky" de William Burroughs. Su estilo de escritura a menudo se describía como revolucionario, cosmopolita, cultista y populista, ya que a menudo se inspiraban en el surrealismo, el cubismo y el movimiento de arte de vanguardia contemporáneo, particularmente las pinturas de acción de sus amigos en el círculo de arte de la ciudad de Nueva York. Muchas lecturas de poesía ocurrirían en galerías de arte, así como en cafeterías y cafés "beatnik" con la esperanza de sensibilizar a la gente y ofrecer alternativas al estilo de vida estadounidense que los poetas consideraron demasiado materialista y conforme.

Anne Waldman, escritora de la década de 1960, describe mejor a las mujeres poetas:

Las mujeres de The Beat (generación) fueron consideradas el epítome del cool. Eran hipsters de medias negras, artistas renegados, musas intelectuales y poetas gitanos que ayudaron a cambiar nuestra cultura para siempre. Eran feministas antes de que se acuñara la palabra, y su trabajo está al lado del de los hombres.

Artistas

Los pintores más frecuentemente asociados con el grupo son Jane Freilicher, Fairfield Porter, Larry Rivers, Joe Brainard, Mark Rothko y, en menor medida, Grace Hartigan, Jackson Pollock y Willem de Kooning. Estos artistas compartieron la creencia de que uno debería estar físicamente envuelto dentro de su obra de arte y cada uno trató de representar sus conceptos de los aspectos necesarios o esenciales del arte. Muchos de ellos se adaptaron al arte del expresionismo abstracto alejándose de la representación real de objetos o escenas y utilizando emociones y subjetividad crudas a través de la aplicación espontánea de colores u otros objetos al lienzo. En un aspecto, esto fue una respuesta al final de la Segunda Guerra Mundial con el lanzamiento de las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki. Estos artistas sintieron que la enormidad de la destrucción solo significaba un desastre para la raza humana. Por lo tanto, su mensaje a la población fue en pinturas de acción donde se usaron diferentes tamaños de pincel, trazos y diferentes aplicaciones de pintura. En ocasiones, goteos, manchas de pintura y errores se incorporaron al trabajo final. Un ejemplo sería el de Willem de Kooning. Gotham News que muestra el arte de abandonar el control con los elementos de la creación de la pintura. Otro ejemplo de evitar las técnicas tradicionales y utilizar pigmentos y líneas audaces para expresar los sentimientos de estos pintores es el trabajo de Jackson Pollock. Una descripción de la obra de Jackson Pollock de Alfonso Ossorio, Galería Nacional de Arte, parece caracterizar a los artistas de la Escuela de Nueva York: (Él) "rompió todas las tradiciones del pasado y las unificó ... (Él) fue más allá del cubismo, más allá de Picasso y el surrealismo, más allá de todo lo que había sucedido en el arte ... Su obra expresaba acción y contemplación ". A través del avance de la representación de la Escuela de Nueva York de una nueva forma de comunicar sentimientos y emociones, el centro del mundo del arte comenzó a cambiar de Europa (París) a América (Nueva York).

Compositores

La Escuela de Nueva York también se refiere a un círculo de compositores en la década de 1950 que orbitaban alrededor de John Cage: Morton Feldman, Earle Brown, Christian Wolff y David Tudor, sobre todo. Su música era paralela a la música y los eventos del grupo Fluxus, y extrajo su carácter de los pintores expresionistas abstractos como se describió anteriormente. Lo que unió a estos artistas fue una fe en la liberación del inconsciente y una emoción extraída de las energías de la calle de Manhattan y los muchos barrios de la ciudad de Nueva York. Estos compositores rompieron con las especificidades tradicionales de la música clásica anterior para intentar utilizar todos los métodos de sonido y silencio. Sus composiciones se volvieron flexibles hasta el punto de no especificar a veces instrumentación, puntaje o partes. Su filosofía parecía colocar al músico y al oyente en posiciones creacionales importantes, alejándose así de la aceptación pasiva de las instrucciones del compositor para convertirse en un contribuyente activo a un estilo musical interpretativo. Por ejemplo, John Cage modificaría los instrumentos tradicionales, es decir, el piano, para que el instrumento produzca sonidos aberrantes al piano tradicional pero en línea con la producción de sonido para sus piezas. También escribiría en períodos de silencio para ser tan importantes como las notas y los ritmos de la composición. La filosofía de John Cage de dar igualdad sonora a cada sonido musical y silencio insinúa el vínculo del compositor con el budismo zen y las filosofías del I Ching. La flexibilidad fue la clave para los participantes de la Escuela de Nueva York y retrataron la música como la vida en un estado de flujo con comienzos y finales inesperados.

Referencias

  • Allen, Donald Merriam, ed. 1969 La nueva poesía americana, 1945-1960. ISBN 0-520-20953-2
  • Lehman, David. 1998. The Last Avant-Garde: The Making of the New York School of Poets. ISBN 0-385-49533-1
  • Padgett, Ron y Shapiro, David, eds. 1970 Una antología de poetas de Nueva York. Casa al azar. ISBN 0-394-40451-3
  • Perloff, Marjorie. 1977 Frank O'Hara: Poeta entre pintores. ISBN 0-226-66059-1
  • Ward, Geoff. 2001 Estatutos de la Libertad, La Escuela de Poetas de Nueva York. 2da edición. Palgrave Macmillan. ISBN 0-333-78639-4

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