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Textura (música)

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En musica, textura es la calidad general del sonido de una pieza, indicada con mayor frecuencia por el número de voces en la música y por la relación entre estas voces (ver los tipos de textura a continuación). La textura de una pieza puede describirse más detalladamente usando términos como "grueso" y "ligero", "rugoso" o "liso". Por ejemplo, se describe que las piezas más populares de Aaron Copland tienen una textura "abierta". La textura percibida de una pieza puede verse afectada por el número y el carácter de las partes que se tocan a la vez, el timbre de los instrumentos o las voces que tocan estas partes y la armonía, el tempo y los ritmos utilizados. Las posibilidades de escuchar una melodía solista, algunas melodías simultáneas o acordes que apoyan una melodía crean una textura musical que actúa como una asociación en un acuerdo armonioso y cooperativo dentro de una composición musical. Ninguna entidad tiene el propósito de existir en forma aislada; cada entidad tiene un toma y daca con otras entidades y contribuye a una armonía y cooperación general.

Tipos tradicionales de textura

En musicología, particularmente en los campos de la historia de la música y el análisis de la música, algunos términos comunes para diferentes tipos de textura son:

  • Monofónico - una voz melódica sin acompañamiento armónico (aunque puede estar presente el acompañamiento rítmico). Cuando más de un instrumento o voz ejecuta la línea melódica única, el resultado sería una textura monofónica de sonido más grande y más rica. Un ejemplo de una línea melódica que suena más completa cantada por un coro es el "Coro Aleluya" de George Frederic Handel.
  • Polifónico - múltiples voces melódicas que, en cierta medida, son independientes entre sí. Cuando varias líneas melódicas iguales se esfuerzan por llamar la atención, las dimensiones agregadas con las diversas líneas crean una emoción que aumenta las expectativas musicales. Se puede escuchar un ejemplo de polifonía cuando los músicos de jazz improvisan melodías simultáneamente.
  • Homofónico - múltiples voces donde una voz, la melodía, se destaca prominentemente y las otras voces forman un fondo o una posición subordinada con un acompañamiento armónico. A veces el acompañamiento puede ser muy distintivo; Sin embargo, su papel está ahí para ayudar a apoyar la melodía. Un ejemplo de homofonía son los himnos en los que la melodía está generalmente en la línea superior y las líneas inferiores mezclan o armonizan la línea superior. Si todas las partes tienen el mismo ritmo (o casi el mismo), entonces la textura homofónica también puede describirse como homorítmica.
  • Heterofónico - una textura musical en la que las voces son de carácter diferente, moviéndose en ritmos contrastantes. Las voces pueden tocar una sola melodía con variaciones simultáneas en esa melodía, o pueden tocar melodías sustancialmente diferentes. (La heterofonía puede considerarse una subcategoría de polifonía, o una forma de monofonía embellecida / "irregular", o alguna mezcla de las dos). (Hanning, 1998 y Copland).

Aunque en la instrucción musical ciertos estilos o repertorios de música a menudo se identifican con una de estas descripciones (por ejemplo, el canto gregoriano se describe como monofónico, los corales de Bach se describen como homofónicos y las fugas como polifónicas), muchos compositores usan más de un tipo de textura en la misma pieza musical

Una simultaneidad es más de una textura musical completa que ocurre al mismo tiempo, en lugar de una sucesión.

Tipos contemporáneos de texturas

Un tipo de textura más reciente utilizado por primera vez por György Ligeti es la micropolifonía.

Micropolifonía es un tipo de textura musical del siglo XX que implica el uso de acordes disonantes sostenidos que cambian lentamente con el tiempo. Según David Cope (1997), esto es "una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres". La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien lo explicó de la siguiente manera: "La compleja polifonía de las partes individuales se materializa en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian repentinamente, sino que se fusionan entre sí; un intervalo claramente discernible la combinación se desdibuja gradualmente, y a partir de esta nubosidad es posible discernir una nueva combinación de intervalos que toma forma ". Nuevamente Cope: "La micropolifonía se parece a los acordes de racimo, pero difiere en su uso de líneas móviles en lugar de líneas estáticas".

Un ejemplo de la aplicación de micropolifonía es la composición de Ligeti. Réquiem por soprano, mezzo-soprano, coro mixto, y Orquesta, una pieza que se hizo más conocida a través de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: una odisea del espacio. La técnica es más fácil con conjuntos más grandes o instrumentos polifónicos como el piano (Cope, 1997). Muchas de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicada a complejos esquemas rítmicos derivados de la música "minimalista" de Steve Reich y Pygmy.

Otros tipos de texturas

Otras texturas incluyen texturas homorrítmicas, politemáticas, polirrítmicas, onomatopéyicas, compuestas y mixtas o compuestas (Corozine 2002, 34).

Importancia de la textura

Los compositores pueden usar la textura musical para crear drama y contraste por las diferencias en las capas de sonido, ya sea melodía o armonía, las relaciones entre estas capas de sonido y cuántas capas hay. Los compositores podrían comenzar con una melodía y armonías simples, luego tejer la melodía en una textura polifónica compleja o un escenario dramático. Esto podría crearse teniendo una voz solista acompañada de un gran coro que ejecute acordes masivos. Un ejemplo de esto está en el "Coro de Aleluya" de George Frideric Handel del Mesías, que también demuestra la gran variedad de cambios con texturas monofónicas, polifónicas y homofónicas. La textura puede explicarse como ligera, pesada, delgada o gruesa.

En la música nativa de Asia, Oriente Próximo y África del Norte, la textura es predominantemente monofónica, ya que se hace hincapié en la melodía y el ritmo. La dependencia de una melodía no acompañada o un acompañamiento de percusión crea el drama y los contrastes de la textura no occidental que enriquece sus capas de sonido con ornamentaciones sutiles, cambios microtonales y ritmos variados.

Orquestación e Instrumentación

El uso creativo de instrumentos musicales o voces también se puede utilizar para crear texturas de sonido. La sección de cuerda en una orquesta, por ejemplo, puede proporcionar una amplia gama de sonidos al variar los métodos por los cuales se producen y articulan los tonos (arqueados, punteados, armónicos, sostenidos, cortos, líricos, acentuados, etc.).

La combinación de instrumentos dentro de un conjunto también puede lograr diferentes texturas. A medida que la industrialización y la tecnología evolucionaron en Europa, los instrumentos musicales también participaron de maneras que permitieron a los compositores exhibir una mayor variación textural en sus composiciones. Como resultado, los compositores tuvieron que determinar las capacidades y limitaciones de los instrumentos para desarrollar su estilo personal de orquestación.

Los primeros conjuntos instrumentales podrían estar compuestos por relativamente pocos instrumentistas que proporcionen una paleta sonora algo limitada. Sin embargo, a medida que los conjuntos crecieran en número, la variación textural aumentaría exponencialmente.

La música orquestal compuesta por Ludwig van Beethoven a principios del siglo XIX poseía una paleta de orquestación bastante limitada en comparación con la de Richard Wagner, Richard Strauss o Gustav Mahler en la segunda mitad del siglo XIX. Mientras que en una de sus sinfonías, Beethoven podría anotar típicamente para cuatro músicos de metal (pares de trompetas y trompetas), no era raro que Mahler o Wagner utilizaran hasta dieciocho o más músicos de metal (ocho trompas, cuatro trompetas, cuatro trombones, dos tubas, euphoniums y cuatro tubas Wagner como Anton Bruckner solía hacer).

Los compositores del siglo XX, como George Antheil, Luciano Berio, Edgard Varese y Karlheinz Stockhausen utilizaron elementos distintos de los instrumentos convencionales para producir texturas sonoras (sirenas, resortes de neumáticos, helicópteros, por ejemplo)

La evolución del piano también tuvo profundos efectos en los compositores a medida que el instrumento ganó mayor potencia y matices en sus sonoridades. Los compositores del siglo XX adoptaron formas nuevas y únicas de producir sonidos (el pizzacato de Bartok, el piano preparado de John Cage, por ejemplo) y continuaron explorando nuevas formas de producir sonido.

Medios electrónicos

Con la evolución de los medios electrónicos (cintas, sintetizadores, MIDI, etc.) a fines del siglo XX, surgieron formas completamente nuevas de crear texturas. Mario Davidovsky (n. 1934) fue pionero en el ámbito de la utilización de medios electrónicos en la música y ganó un Premio Pulitzer de Música en 1971 por una de sus composiciones electrónicas. Pierre Boulez (n. 1925), posiblemente el principal exponente del modernismo en la posguerra, ha estado a la vanguardia de la investigación en música electrónica como director de Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique (IRCAM) en París y continúa defendiendo la causa del uso de medios electrónicos en la música.

Los compositores y grupos de música pop, como Frank Zappa, The Beatles, Brian Eno, David Bowie, Emerson, Lake and Palmer, Yes y The Alan Parsons Project fueron algunos de los primeros practicantes del uso de la tecnología electrónica de estudio para crear imágenes de sonido novedosas y aventureras. .

Referencias

  • Corozine, Vince. Arreglando música para el mundo real: aspectos clásicos y comerciales. 2002. ISBN 0-786-64961-5
  • Hanning, Barbara Russano. Historia concisa de la música occidental, basado en Donald Jay Grout y Claudia V. Palisca's Una historia de la música occidental, Quinta edición. W. W. Norton & Company, Nueva York, 1998. ISBN 0-393-97168-6
  • Pearson, Paul Weston. Evolución de las concepciones de la textura de la música de cámara en los períodos clásico y romántico.. CA: Universidad de California, Santa Bárbara, 1979. OCLC 34445442
  • White, John David. Teorías de la textura musical en la historia occidental.. NY: Garland Publications, 1995. ISBN 0-815-31187-7

Enlaces externos

Todos los enlaces recuperados el 23 de noviembre de 2015.

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